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Dirigido por Marco Risi, A Hora do Orvalho apresenta uma reflexão sobre o tempo e o que aprendemos com ele.

A Hora do Orvalho retrata a história de Carlo, um jovem que após ocasionar um acidente, deve fazer trabalho comunitário em uma casa de repouso para idosos, assim, convivendo com diversos personagens e aprendendo sobre humildade ao longo do processo.

Apesar da premissa já ter sido vista anteriormente em diversas produções, o que torna A Hora do Orvalho especial, é a poesia trazida pelas suas cenas, unificando na mesma cena um sentimento de felicidade e ao mesmo tempo de melancolia, seja um paciente com alzheimer dançando feliz ao som de “Riderá” de Little Tony ou uma alegre guerra de bolas de neve com um triste fim.

Na palestra inicial antes do filme, com presença do diretor Marco Risi e a atriz Lucia Rossi, o público soube que a ideia original do filme surgiu faz 20 anos, inicialmente, Marco Risi se identificava com os personagens mais jovens como Carlo, porém, atualmente se identifica mais com os personagens mais velhos como Dido, uma união de Marco com o seu próprio pai, construindo um dos personagens mais ricos de toda a produção.

Cada um dos residentes da casa de repouso apresenta algo que o destaca, seja o coronel do exército que não se dá bem com o filho, as irmãs que não se separam, o sedutor, o romântico, entre outros. Porém, o ponto forte do filme é a relação de Carlo com Dido, um fotógrafo que sempre desejou ver leões. Dido atua como mentor do jovem, levando-o a criar uma empatia e o ensinando a lidar com a culpa que sente.

O grande destaque de A Hora do Orvalho são as interações entre estes personagens, sempre de forma singela e extremamente poética, apesar de alguns pequenos furos no roteiro, ao final, o projeto é lindo, uma lembrança que me veio foi o filme “Os Rejeitados”, principalmente por ambos serem filmes do século passado e lidarem com pessoas amarguradas, geralmente invisíveis para grande parte do mundo, porém, que descobrem um próprio brilho.

A mensagem que tiramos de A Hora do Orvalho, além de boas risadas e lágrimas, é que tudo passa, e principalmente: tudo muda. Relações, sentimentos, vontades, ambições, porém, apesar de tudo isso, no fundo mantemos quem nós somos desde o começo, precisando de um auxilio e de um abraço amigo para realmente alcançarmos nosso potencial, algo que acontece para a grande maioria dos personagens da produção.

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Nova série da HBO, Cidade de Deus: A Luta Não Para (2024 – ) segue causando polêmica ao final de sua 1ª temporada

Sempre que a continuação de alguma obra cinematográfica aclamada é anunciada, o público automaticamente se divide em duas correntes: entusiastas que, por serem fãs da obra original, aguardam ansiosamente a expansão de tal universo; e conservadores, que de alguma forma entendem que a nova produção poderá estragar ou até mesmo apagar seu tão querido filme de estimação. No caso da série “Cidade de Deus: A Luta Não Para”, não foi diferente.

A série, nova produção da HBO, que lançou o último de seus 6 episódios neste domingo (29), traz de volta os mesmos personagens do grande clássico da Retomada no cinema brasileiro, “Cidade de Deus” (2022), do diretor Fernando Meirelles. O filme é adaptação do livro homônimo, escrito por Paulo Lins e lançado em 1997 e tornou-se um marco dentro do audiovisual brasileiro, alcançando grande sucesso de público e crítica e acumulando prêmios, bilheterias e reproduções mundo afora, se consolidando como um dos filmes brasileiros mais conhecidos internacionalmente.

Tecnicamente falando, são diversos os aspectos que fizeram o filme atingir o status de obra-prima, como a montagem brilhante de Daniel Rezende, a utilização de atores não-profissionais no elenco, em sua maioria residentes da comunidade retratada, e a polêmica porém eficaz preparação de elenco de Fátima Toledo. Temos ainda a premiada parceria entre a lindíssima direção de fotografia de César Charlone, costurada pela sempre sensível e fortemente presente direção geral de Fernando Meirelles, que também alcançou fama internacional após o lançamento do filme e dirigiu alguns longas estrangeiros posteriormente.

Mas, técnicas à parte, o verdadeiro sucesso de “Cidade de Deus” só pode ser explicado em sua plenitude a partir de pessoas que viveram o frenesi que se seguiu após o seu lançamento nos cinemas. A narrativa frenética, as falas inundadas de gírias cariocas, as praias, as drogas, a violência extremada. O filme se tornou um clássico instantâneo, suas falas integram o imaginário popular até hoje e as reprises preenchem avidamente as grades da TV à cabo há 20 anos.

Parte deste sonoro sucesso entre o público se dá pela narrativa quase que exclusivamente focada na população favelada e de outras classes menos favorecidas da sociedade, construída a partir de uma adaptação fiel, no entanto fortemente gráfica, de seu livro homônimo. E esta é sem dúvida uma dualidade chave para entender a importância desta produção para o paradigma da linguagem no cinema brasileiro.

Isto porque, apesar do protagonismo dado à classe mais pobre representada no filme, a produção foi acusada de explorar a imagens desses corpos, em sua maioria negros, pobres e favelados, reforçando o estereótipo da população favelada enquanto perigosa e violenta e atrelando a história da Cidade de Deus (e do Rio de Janeiro) com uma inevitável corrupção de seus indivíduos e uma irrecuperável zona de guerra.

O sucesso financeiro que atingiu parte dos diretores e produtores do longa, mas excluiu grande parte do elenco amador morador da comunidade, também evidencia esta incoerência da produção.

Tal dualidade é representada metalinguísticamente pelo dilema enfrentado pelo personagem Buscapé (Alexandre Rodrigues) ao final do filme, com a decisão entre publicar a foto da corrupção da policial ou do traficante Zé Pequeno (Leandro Firmino) assassinado e ensanguentado.

Curioso justamente porque este é dos aspectos que demonstram a intenção do filme em retratar aqueles personagens de uma maneira diferente do que se via nos jornais, filmes e outras produções audiovisuais do início do século XXI. Apesar de acabar caindo justamente nos mesmos estereótipos que buscava desconstruir ao retratar a guerra entre as facções de maneira gráfica e visceral. 

Este também é um dos fatores que fez este produto atingir tantos públicos nacionais e internacionais, com as cenas de violência dando um forte status comercial para a produção, apesar de sua aclamada posição entre a crítica especializada mundo afora.

Neste aspecto, a série ressurge não para superar o filme original em seus aspectos técnicos brilhantes, mas buscando atualizar o debate em torno daquela população marginalizada e sobre o histórico das duas cidades envolvidas no enredo, a de Deus e a do Rio de Janeiro. E nesse aspecto, a nova produção da HBO acertou em cheio.

“Cidade de Deus: A Luta Não Para” se passa novamente na favela Cidade de Deus, Zona Oeste do Rio de Janeiro, agora 20 anos depois dos acontecimentos do filme (o que seria início dos anos 2000 na narrativa, justamente a mesma época do lançamento do filme original). Muito respeitoso a linguagem do longa de 2002, a série não tem medo de explorar os mesmos personagens que deixamos para trás, pelo menos os que sobreviveram à guerra entre Zé Pequeno e Mané Galinha (Seu Jorge). 

Temos novamente a narração de Buscapé. Agora prezando pelo seu nome profissional, Wilson, o personagem desenvolveu sua carreira como fotógrafo jornalístico, mas é acusado por seus vizinhos da cidade de deus de explorar a violência e a imagem dos favelados para vender suas fotografias para os jornais hegemônicos da zona sul. 

O protagonista, que era símbolo de ingenuidade e da pureza adolescente no filme de 2002, agora funciona como uma metalinguagem às críticas recebidas pelo longa, possuindo a consciência da exploração que exerce sobre a imagem dos corpos retratados, mas engajado de mãos atadas ao sistema que lhe deu a oportunidade de melhorar sua condição financeira. 

Buscapé buscará, ao longo da trama, recolocar sua posição nesta indústria da guerra que move a cidade, utilizando de seu lugar de prestígio para fazer mais do que era possível 20 anos antes. E é exatamente isto que a série irá fazer como um todo, utilizar a visibilidade do filme para atualizar debates e corrigir certos posicionamentos, de maneira que não seria possível 20 anos antes.

Muitos outros personagens presentes no filme (e seus atores originais) retornam para esta continuação, cada um sendo responsável por atualizar um aspecto do debate central que move a série: a vida nas comunidades cariocas e sua relação intrínseca com a violência e as disputas de poder do crime organizado  aparelhado no Estado do Rio de Janeiro. 

É o caso de Braddock (Thiago Martins), Berenice (Roberta Rodrigues), Barbantinho (Edson Oliveira), e Cinthia (Sabrina Rosa), personagens importantes e sobreviventes dos eventos dos anos 80, retornando agora com um novo contexto e importância narrativa. É a partir deles que a série contará os desdobramentos das disputas territoriais do poder paralelo nas favelas cariocas, adicionando importantes elementos da história da cidade dos últimos 30 anos e criando uma alegoria bem direta sobre a presença do tráfico e milícia dentro do Estado.

Outros novos personagens também surgem nesta mesma pegada, explorando e aprofundando de maneira acertada a relação do universo da série com seu histórico narrativo. Personagens como Delano (Dhonata Augusto) e MC Leka (Luellem de Castro) são ótimos exemplos do aprofundamento que é dado na série sobre a relação entre a população da favela e a disputa de poder entre o crime organizado, a polícia e o Estado.

O roteiro da série, não mais adaptado do livro, agora faz este movimento quase que durante toda sua duração, resgatando elementos narrativos como a pobreza, a falta de educação e a falta de acesso à cidade e atualizando para perspectivas atuais, buscando se distanciar da estereotipagem comumente associada às essas populações e traçar um panorama mais profundo do grave e histórico problema de administração pública da cidade maravilhosa, totalmente aparelhada e governada pelo crime organizado.

É bem verdade que a série também se utiliza da violência para construir sua narrativa, mas aqui vemos esta retratação não como uma ferramenta mercadológica, mas como um argumento de denúncia para a reflexão a respeito da trágica história do Rio de Janeiro. A cidade carioca, que já foi capital do país, vive uma guerra civil de disputas territoriais entre tráfico, milícias e Estado há, pelo menos, 30 anos. 

Seria muita inocência acreditar que tal estado permanente de guerra acontece somente por que os traficantes e moradores das favelas são “maus”. Assim como foi inocência (na verdade, muita má fé) de parte da mídia hegemônica apoiar a crescente das milícias (ou policiais mineiras, como eram conhecidas) no início dos anos 2000. O problema da violência urbana carioca tem início muitos anos antes das facções tomarem conta das favelas e anda de mãos dadas com integrantes do crime organizado que dominam o Estado. É justamente sobre isso que “Cidade de Deus” quer falar, tanto o livro, quanto o filme e, agora, a série.

Neste aspecto, a série triunfa em atualizar o debate de maneira direta e, muitas vezes, até poética. Se o longa de 2002 busca retratar, horas de maneira leve e jocosa, outras horas de maneira visceral e violenta, os efeitos da marginalização dos corpos promovido pelo Estado, agora, a série dá enfoque nos aparelhamentos que cercam e financiam as disputas de poder ocorridas nas favelas da cidade. 

A violência, a pobreza, a miséria e a falta de acesso retornam como temas. Mas também, o tráfico de armas, silenciamento de testemunhas, conluio e improbidade jurídica são alguns dos temas que surgem como motivadores e articuladores desta situação complexa de uma das maiores cidades do Brasil. Neste aspecto, a série, assim como o filme, acerta em cheio ao deixar claro quem paga o pato de maneira brutal pelo descaso dos poderosos com a cidade: a população, em sua maioria negra, pobre e, principalmente, favelada.

É bem verdade que esta atualização no debate certamente incidirá na parte mais conservadora dos espectadores, que amavam o filme justamente pelos motivos errados, fetichizando a violência e glorificando a política de Estado e a polícia que mata pobre favelado todos os dias. E a série parece saber deste golpe que dará no debate para com esta parte do público, construindo uma narrativa que aponta para esse grafismo violento até o final do episódio 5, mas passando por uma certa reviravolta de perspectiva para o encerramento da temporada.

A série é tema de polêmica desde seu anúncio e continuará sendo agora até o lançamento da segunda temporada. Não preciso nem dizer que os conservadores, que agora se tornarão detratores da série, automaticamente se tornarão especialistas na linguagem audiovisual e utilizarão da brilhante excelência técnica do filme para apagar os triunfos importantes trazidos pela produção da série.

É bem verdade que aquele primor técnico será difícil de ser alcançado e não retorna por completo aqui (especialmente a montagem, talvez uma das melhores de toda a história do cinema). Mas, além de possuir ótima execução técnica, a série acerta justamente ao optar por um outro caminho, nem ao menos se propondo a repetir as mesmas estratégias de produção do filme original, mas respeitando e referenciando a produção de 2002 ao longo de toda a temporada.

É essa decisão acertada que ditará o tom e ritmo de “Cidade de Deus: A Luta Não Para”, que não se propõe em superar o filme original, mas sim aproveitar sua visibilidade nacional e internacional para atualizar, corrigir e propor novos debates sobre a cidade e as comunidades cariocas.

Assistir essas produções, mesmo com temáticas e cenas fortes e diretas, deveria ser uma recomendação básica não somente para todos os amantes brasileiros de cinema, mas para todos os cidadãos que buscam entender um pouco mais da história e influência do crime organizado no cotidiano carioca e na política de Estado aplicada por aqui.

Enquanto carioca e morador do subúrbio, sempre me senti especialmente sensibilizado pelo filme e acredito que a série seja uma atualização importante acerca de seu debate. O episódio final aponta para acontecimentos históricos trágicos e importantes do Rio de Janeiro e sigo ansioso para acompanhar a forma como serão abordados tais episódios.

E quanto às reclamações dos conservadores desde o anúncio da série e agora com o desenrolar de seu enredo, só reforça a  urgência em abordar de maneira frontal as reflexões trazidas na narrativa. O audiovisual é uma ferramenta fundamental na construção do imaginário político popular, e é preciso urgentemente disputar o histórico da cidade que é berço do samba, mas, também, das milícias, justamente para que seja possível vislumbrar alternativas para garantir o seu futuro. 

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45 anos depois, “Superman, o Filme” (1978) retorna às telonas para relembrar porque é o clássico absoluto do gênero.

Escrever sobre “Superman, o Filme” (1978) em 2024 pode ser uma tarefa difícil de se executar sem cair num certo anacronismo. Longa pioneiro no sucesso massivo dos super-heróis no cinema, o clássico filme do diretor Richard Donner, primeiro com o emblemático Christopher Reeve encarnando o Homem de aço, retorna às telonas em edição especial remasterizada nesta quinta (26). 

Com um orçamento de US$55 milhões de dólares (cerca de US$255 milhões atualmente com correção), e faturamento de cerca de US$300 milhões (US$1,4 bilhão hoje), o longa foi grande sucesso de público e crítica à época de seu lançamento, sendo premiado com o Oscar de melhores efeitos especiais em 1979.

 Justamente por sua relevância histórica, este é um filme que já foi exaustivamente analisado por diversos críticos e pesquisadores da linguagem audiovisual ao redor do mundo. Por um lado, isso é excelente! Uma fonte de consulta infinita com opiniões e pontos de vista totalmente diversificados. Por outro lado, como contribuir com relevância sobre esse tema? 

Acredito que a resposta dessa questão esteja, principalmente, na experiência subjetiva de cada um em relação ao filme. Não somente ao assisti-lo, mas também ao identificá-lo em suas diferentes e inúmeras reproduções, adaptações e citações ao longo desses 45 anos.

No meu caso, lembro de assistir a icônica interpretação de Christopher Reeve pela primeira vez ainda na infância, através de uma sessão dessas de domingo da tv aberta. Dos detalhes do enredo em si lembrava pouco, mas tinha uma recordação vívida do meu pai assistindo ao meu lado e comentando o quanto foi marcante assistir no cinema o Super-homem de Reeve voando pelas cenas de maneira tão visualmente convincente.

Desta vez, quase 20 anos depois, à convite do Festival do Rio em parceria com a Warner, pude ter a experiência de assistir este marco audiovisual da maneira como ele melhor pode ser aproveitado: na tela grande, com som dolby digital de alta qualidade.

Isto porque, do ponto de vista cinematográfico, Superman é um clássico em todos os sentidos da palavra. Um suspiro final do que foram as produções norte-americanas da Hollywood clássica dos anos 50, adicionando a inovação técnica e estética típica da nova Hollywood dos anos 70. 

Representante autêntico de uma época em que os longas-metragens ainda eram assistidos exclusivamente nos cinemas, este é um ótimo exemplo de produção que soube dialogar diretamente e de maneira popular com a experiência histórica da sala de cinema e toda a linguagem envolvida neste ato. Sua estética única e inovações técnicas, aliados com uma narrativa direta e leve, certamente marcaram os espectadores que assistiram na época os personagens Superman e Lois Lane (Margot Kidder) voando pela primeira vez pelos céus de Metrópolis.

Logo na introdução, ao apagar das luzes da sala, com as fontes azuis surgindo magicamente sobre um fundo estrelado, embalado pela trilha sonora épica, já é possível entender que estamos diante de um filme com uma identidade forte e única.

Uma mistura delicada entre toda a grandeza de sua produção, de sua história e dos símbolos que ali estão contidos. Mistura essa que iria ditar a tonalidade e método adaptativo da maioria dos filmes de super-heróis que viriam a seguí-lo. Não necessariamente reproduzindo seus mesmos símbolos, mas imprimindo a identidade e ideologia de seus personagens através do melhor que a técnica cinematográfica poderia oferecer em cada época.

Impossível também não citar a trilha sonora única de John Williams. Sempre se provando uma força da natureza, são as músicas de Williams que fazem o filme transitar entre o épico e o cotidiano; entre o mágico, o fantástico e o sensível. Para variar, o responsável pela trilha sonora de filmes históricos como Star Wars e Indiana Jones, também lança aqui um tema icônico, que embala toda a narrativa do filme (além de continuar sendo reconhecido até os dias de hoje, mesmo por pessoas que eventualmente não tenham assistido ao filme de Richard Donne).

É curioso enxergar hoje, 45 anos após seu lançamento, como os filmes pioneiros de seus gêneros trabalham livremente em cima dos estereótipos mais marcantes de seus personagens, sem medo de abordar de maneira frontal, e até mesmo explícita, os principais eventos narrativos que compõem estes personagens tão conhecidos. É claro que isto ocorre porque este longa precede temporalmente a grande maioria dos filmes de seu gênero, sendo justamente ele o criador destas convenções que viram a ser reproduzidas posteriormente. 

São nestes filmes que vemos esta narrativa de super, tão exaustivamente explorada na atualidade, em sua versão menos contaminada por fórmulas mercadológicas e mais fiel ao que o personagem representava na época (uma vez que, em 1978, o personagem “Superman” já tinha mais de 40 anos de existência).

Mas afinal, o que diabos o personagem representava na época? E mais, o que será que ele representa hoje em dia?

Mergulhando na linguagem em si, aqui vemos talvez a versão mais poderosa do Homem de aço, capaz de feitos absolutamente grandiosos. Ao mesmo tempo, seu lado humano, representado na persona de Clark, se mostra talvez a mais pura e ingênua de todas elas. É esta dualidade, brilhantemente performada por Reeve, que dita  a mensagem principal que o filme carrega.

Ao final dos anos 70, o mundo vive uma arrastada extensão da Guerra Fria, com a disputa ideológica entre Estados Unidos e União Soviética se expandindo para as diferentes esferas da comunidade internacional. No cinema não foi diferente.

Não vou me alongar muito aqui na análise política dos filmes norte-americanos  produzidos durante o período da Guerra Fria, mas a interpretação dos símbolos do filme “Superman, o Filme” que ignora o contexto histórico em que a produção esteve inserida é justamente aquela que tende ao anacronismo. 

Já ao final da década de 30, quando os Estados Unidos ainda se recuperavam de grave crise econômica, o alter-ego de Clark Kent surge nos quadrinhos como uma salvação milagrosa para o imaginário cultural do povo, um sopro de esperança para as camadas mais populares da sociedade, onde os quadrinhos possuíam grande entrada devido ao seu baixo valor. 

Já ao final da década de 70 (data de lançamento do filme de Donne), a posição econômica e política dos EUA na comunidade internacional havia mudado, assumindo protagonismo internacional e travando guerra ideológica com a URSS.

Ainda assim, novamente um dos personagens mais identificados com a cultura norte-americana retorna ao foco da discussão popular, desta vez propagando o sonho americano (personificado em Superman) para o mundo inteiro através do cinema, oferecendo o seu modelo como triunfante frente ao outro polo ideológico e bélico presente no globo. Em alguns aspectos, esta interpretação do personagem fica muito evidente, como na cena em que o Homem de aço voa na tentativa de impedir que mísseis caíam no território norte-americano, preocupação presente no imaginário coletivo do período da Guerra Fria e diversas vezes retratado em filmes e séries norte-americanos.

Superman surge aqui (assim como a trilha sonora de John Williams) como uma força da natureza que se impõe moralmente diante da corrupção dos homens, estabelecendo a ordem e respeitando as regras (a menos que estas regras impeçam que ele faça “o que é certo”). 

A entrevista com Lois Lane no terraço de seu apartamento expõe a tentativa de consolidação de Superman como mártir moral do povo (e, possivelmente, do mundo inteiro) de acordo com a moralidade cristã protestante anglófona norte-americana: ao se apresentar, Superman informa que não conta mentiras e que sempre faz o que é certo. Depois, ao ser questionado por Lois o motivo do kryptoniano estar na Terra, Kal-El prontamente responde “I’m here to fight for truth, justice and the american way!” (“Estou aqui para lutar pela verdade, pela liberdade e pelos ideais norte-americanos”). Curioso pensar que Jor-El tenha enviado seu filho kryptoniano à Terra justamente para defender os ideais dos Estados Unidos, não é? 

A persona humana do personagem também não fica para trás na representação moral idealizada do sonho americano. Clark, apesar dos grandes poderes, trabalha como jornalista no “Planeta Diário”. Após uma infância pacata familiar na área rural norte-americana, ele abdica de qualquer condição material que seus poderes poderiam lhe gerar para que pudesse viver de maneira simples. Sua realização principal não está em riquezas, mas sim nas relações que constrói ao longo da vida. Sua vida é dedicada à vocação de benfeitor da humanidade, liderando os humanos para o progresso sem jamais interferir no curso natural da História.

De toda forma, é claro que esta interpretação do personagem também se consolidou ao longo dos anos que sucederam o lançamento do longa e os desdobramentos históricos do século XX. Inclusive, até mesmo produções contemporâneas estadunidenses discutem esta visão, apresentando personagens como Homelander (Antony Starr) da popular série The Boys (2019-2024).

Outras cenas curiosas representam esta adaptação do Super-homem enquanto mártir moral do ocidente, como quando o Homem de aço aconselha à Lois que pare de fumar para evitar câncer de pulmão ou quando os dois personagens flertam abertamente falando da cor das roupas íntimas de Lois, enxergadas por Clark através de sua visão de raio-x após uma cena de flerte entre os personagens típica de melodramas da época. 

São detalhes narrativos que falam muito do pensamento corrente da época, criando um personagem que jamais passará dos limites aceitáveis pela sociedade, mesmo possuindo todos os poderes até para subjugar e dominar. São os norte-americanos imprimindo, através de uma estética arrojada e técnicas pioneiras, uma amostra de sua bondade (que é, obviamente, proporcional ao tamanho de seu poder de fogo).

O homem de aço aqui realiza seus maiores feitos sem desferir nem um soco, realizando todos os seus atos mais marcantes de heroísmo dos quadrinhos clássicos. Kal-El salva o gatinho de cima da árvore, evita que um avião em pane caia em queda livre, ao mesmo tempo ele é capaz de desviar o curso de um míssil. O foco aqui não está em cenas de ação e lutas coreografadas, mas sim nas possibilidades inimagináveis que tais poderes proporcionam à um homem e nas implicações filosóficas que sua  própria existência  garantiriam. Prepare-se para um final muito surpreendente e polêmico, aliás, onde o Homem de aço será capaz de feitos realmente impressionantes!

Diante de todo este contexto, reforço que o cinema é o lugar perfeito para embarcar em tão brilhante execução. O filme realmente causa uma sensação fantástica e sua duração, que pode ser considerada longa para atual geração de espectadores, transcorre de maneira divertida e agradável. Algumas cenas são longas e contemplativas, criando uma sinergia entre o espectador e as imagens reproduzidas em tela. Mesmo com uma tecnologia muito inferior à atual, a técnica aplicada nas cenas de voo de Superman triunfam em criar a verdadeira sensação de voar junto do personagem como muitos outros filmes tentaram posteriormente sem sucesso.

Os efeitos visuais envelheceram de maneira muito honrosa ao seu material original, imprimindo um certo glamour atemporal à estética do filme, que dialoga bem com a já citada e intencional dualidade de seu protagonista e com a própria narrativa. 

Lex Luthor (Gene Hackman), também aparece aqui de forma um pouco diferente do que os espectadores mais novos podem conhecê-lo. Acompanhado de um atrapalhado ajudante, o arqui-vilão surge aqui em uma versão bem humorada funcionando como um alívio cômico ao filme e reforçando a linguagem popular e leve da narrativa.

Fica nítido que o filme foi trabalhado para ser não somente uma versão pioneira de Superman nas telonas, mas também a definitiva. Impossível de ser superada, com o personagem no ápice de seus poderes e sua representação ideológica, diante de uma lógica de produção norte-americana que vivia o auge de sua reformulação narrativa e consolidava de vez sua influência frente ao mercado cultural do mundo inteiro. Não à toa, todos os principais elementos técnicos dialogam de maneira sublime com a ideologia embutida nesta história, o que torna todos os elementos cinematográficos envolvidos na produção absolutamente marcantes.

Tudo funciona como um reloginho neste longa, que imprime sua marca através de elementos proeminentes, como a encarnação histórica de Christopher Reeve, a narrativa objetiva e leve, os efeitos especiais inovadores e a trilha sonora icônica que nos conduz dos eventos mais épicos aos mais cotidianos. Assisti-lo no cinema é uma experiência aconchegante e mágica, que certamente remete seus espectadores ao clima do que seria a vivência de uma sala de cinema do final da década de 70 e emula toda a grandiosidade dos filmes hollywoodianos dos anos 40 e 50.

Por fim, vale muito lembrar que “Superman, o Filme” (1978) retorna às telonas em versão remasterizada. Uma ação da Warner para celebrar os 45 anos do filme, além de promover o documentário contando a trajetória de seu ator principal: “Super/Man: The Christopher Reeve Story”. 

O documentário estreia dia 17 de outubro e conta a história de vida do astro americano, que saiu do anonimato ao estrelato ao protagonizar o filme objeto de discussão desta crítica. Após grande sucesso do filme e suas sequências, o ator virou símbolo e teve sua imagem fortemente vinculada ao próprio Superman no imaginário popular. Em 95, Reeve sofreu um acidente e perde os movimentos de seu corpo do pescoço para baixo. A partir daí, passa a ser símbolo também de superação, apoiando diferentes causas sociais financeira e ideologicamente.

Se você nunca viu, ou mesmo se já viu, vale muito correr para assistir “Superman, O Filme” (1978) nas telonas. É certeza de uma experiência única, misturando fantasia, elementos de ficção científica, uma estética absolutamente glamourosa (as botas vermelhas são demais!) e trilha sonora marcante. Sem contar a eterna encarnação de Christopher Reeve como o Homem de aço, que perdurará eternamente como uma das maiores sinergias entre personagem e ator. É um clássico que, como qualquer outro que atinge o status de atemporal, envelhece como um vinho, reforçando os motivos que o fizeram atingir tal patamar e imprimindo experiências que só seriam possíveis através de sua própria existência.

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Em Golpe de Sorte em Paris, o polêmico diretor Woody Allen retorna com mais do mesmo para quem gosta de desligar o cérebro

É praticamente impossível falar sobre o filme Golpe de Sorte em Paris, mais novo longa do renomado diretor Woody Allen (89), sem mencionar o histórico, no mínimo, controverso do diretor e roteirista. Entre diferentes acusações de assédios e abusos sexuais, a maioria vinda  de membros de sua própria família, talvez o episódio mais polêmico (e de maior repercussão midiática) seja o casamento entre Allen e Soon-Yi Previn em 1992, que dura até os dias de hoje. Além da grande diferença de idade entre os dois, Soon-Yi também é filha adotiva de Mia Farrow, ex-esposa de Woody Allen, e irmã adotiva de Dylan Farrow, supostamente abusada por Allen também em 92 e principal acusadora do diretor.

Partindo da premissa de que é impossível analisar qualquer obra sem contextualizar a vida de seus autores, o estigma de sua conturbada relação familiar e graves acusações criminais sempre precederá as impressões de seus filmes para espectadores mais atentos. Esta, como alguns outros elementos que serão explorados mais à frente neste texto, será para sempre mais uma marca registrada na interpretação dos filmes de Woody Allen, que segue, do auge de seus 88 anos, a saga incansável de lançar praticamente um filme por ano.

Falando em marcas registradas, além da já citada, este filme carrega todos os outros elementos mais característicos do diretor americano, que começou a ganhar destaque na Nova Hollywood dos anos 70. Introdução em cartelas e ligh jazz de trilha sonora, o personagem escritor com tendências de mania e obsessão, a cidade como personagem (nesse caso, Paris) e, principalmente, o tom leve e, ao mesmo tempo, ácido com que o diretor desenvolve suas narrativas.

Aprofundando mais no audiovisual em si, vale muito destacar o trabalho simples e primoroso de cada um dos setores quee constroem, de maneira sólida, direta e divertida, um longa-metragem nos moldes mais clássicos do movimento que ficou conhecido como Nova Hollywood. O filme funciona quase como uma fábula sobre sorte e azar, envolvendo seus poucos personagens numa trama de crime e traição sem abrir mão da comicidade e ritmo de comédia romântica.

A história gira em torno de Fanny (Lou de Laâge), uma jovem francesa que reencontra, por acaso, andando na rua, Alain (Niels Schneider), um antigo admirador secreto dos tempos de criança. A trama ganha proporções mais complexas na medida em que Fanny começa a se relacionar com Alain, mesmo sendo casada com o rico, controlador e misterioso Jean (Melvi Poupad), que irá até as últimas consequências para manter o status de sua “noiva-troféu”.

O roteiro busca reforçar a dúvida da protagonista diante dos dois pretendentes, que se opõem de maneira vertical em todos os aspectos. Alain é um escritor, apaixonado pela vida, pelo acaso e por Fanny. Já o empresário Jean é um ricaço frio parisiense, que faz mistério sobre a real natureza de sua riqueza e possui um histórico de sociedades suspeito.

 Alain acredita que reencontrou Fanny na rua por pura sorte. Já Jean tem certeza que constrói sua própria sorte e que seu casamento com Fanny é advento de seus próprios méritos.

Além das características básicas de cada personagem, a direção também opta por uma linda alternância de cenários e cores, que se associam diretamente aos sentimentos de Fanny ao se relacionar com cada um deles.

Enquanto Alain é apresentado com cores quentes, normalmente ao ar livre ou em lugares pequenos e aconchegantes, Jean reforça o estereótipo do ricaço frio com cores azuladas, cenários internos grandes e opressores e comportamento controlador. Os diversos funcionários que servem Jean também reforçam seu comportamento narcisista ao serem retratados sempre parcialmente nos planos, nunca completamente incluídos na imagem e sempre distanciados de seus patrões.

A fotografia capta de maneira sublime esta oposição, utilizando a cidade de Paris de maneira magistral (e fazendo questão de fugir de suas representações mais estereotipadas).  A adição do jazz como trilha sonora em associação à trama e fotografia consolidam o clima divertido do longa, que funciona como uma longa, ácida e agradável piada, sendo sua triunfal punchline reservada ao final do filme.

A mudança de ritmo no meio do filme e exploração surpreendente de algumas personagens também são elementos que ajudam a distanciar a obra dos enlatados de comédia hollywoodianos da atualidade, mostrando que é possível fazer um filme que seja ao mesmo tempo tradicional, divertido e inventivo, com uma trama deliciosa de acompanhar, aliando simplicidade e criatividade.

É comum, ao criticar filmes blockbuster de caráter mais “pipoca”, receber comentários como o seguinte:

“Eu vejo o filme para ‘desligar o cérebro’ e embarcar na história.”

Criando um estigma de que filmes ditos cults teriam necessariamente que  possuir uma narrativa mais complexa, com alto grau de dificuldade para interpretação. E pior, implicando que filmes ditos “pipocas” teriam que incluir narrativas simplistas e lineares, excluindo possíveis complexidades de seus personagens.

Neste caso, Golpe de Sorte em Paris é um prato cheio para refutar essa lógica. O filme é construído tecnicamente de maneira primorosa, a narrativa é leve, engraçada e de fácil compreensão, dando de 10 a zero na grande maioria dos filmes atuais de comédia que mal conseguem arrancar uma cena com risadas de seus espectadores, como é o caso de filmes recentes como “Todos Menos Você” (2023) e “Que Horas Eu Te Pego?” (2023)

Por fim, o novo longa de Woody é, definitivamente, um filme do século passado, no bom e no mal sentido: Praticamente exclui questionamentos sociais além de uma breve oposição de classe entre os protagonistas, não abarca questionamentos sobre cibercultura, internet e novas tecnologias. Ou até mesmos questões de gênero, raciais, entre outras pautas latentes do século XXI. Não utiliza nenhum efeito de imagem inovador (o que não é um problema, na verdade) e carrega a maioria de elementos e marcas registradas que seu polêmico diretor carrega em todos os seus numerosos filmes desde os anos 70. 

Mas também, com protagonismo da fotografia e trilha sonora, o longa trabalha de maneira sublime e criativa as diferentes ferramentas que constroem uma narrativa audiovisual, utilizando os recursos de maneira muito sensível ao conteúdo, fugindo de clichês do gênero e personagens unidimensionais. Com originalidade e privilegiando decisões artísticas às mercadológicas. A decupagem e direção seguem um modelo clássico popular do século XX e privilegiam a criação e sensibilidade artística à exploração dos aparatos técnicos disponíveis. Uma receita batida de outros tempos de Hollywood, mas que pode ser exatamente um pouco dos que os filmes atuais de comédia precisam.

Ao longo de sua longa carreira, Woody Allen acertou e errou inúmeras vezes ao produzir e reproduzir sua fórmula particular de criar filmes. Neste caso, trata-se de um acerto. Um bom e divertido filme de comédia, o primeiro do diretor em que a língua principal não é o inglês. Sua duração transcorre de maneira muito agradável e o final fornece uma espécie de satisfação irônica, como uma piada de um senhor de idade que, apesar dos pesares, segue produzindo ativamente e entregando obras com sua qualidade típica.

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Lançado em 1988, Os Fantasmas Se Divertem continua um dos melhores trabalhos de Tim Burton.

É assustador pensar que Os Fantasmas Se Divertem foi um dos primeiros longas metragem de Tim Burton pro cinema. Uma produção que não apresenta aprofundamento dramático nenhum, porém, apresenta um trabalho exemplar de construção de mundo, uma história simples e o principal: uma forma de entretenimento para as massas que é somente isto, diversão.

O filme se tornou um clássico, entre diversos motivos, por conta de sua história despretensiosa, um casal falece e para conseguir um pouco de paz, deve achar uma maneira de expulsar os novos moradores de sua casa, sem sucesso, tentam contratar um bio exorcista para auxiliar, com consequências desastrosas.

A premissa é banal, na mão de qualquer pessoa o filme poderia ser facilmente esquecível, porém, é a mão forte da direção de Burton, algo perdido em seus últimos trabalhos como Dumbo (2019) e O Lar das Crianças Peculiares (2016), que o jogou para clássico. Aos 30 anos de idade, Burton sabia exatamente o que gostaria de alcançar na produção, ao mesmo tempo que estava construindo a figura pública que iria se tornar, um homem deslocado, apaixonado pela estética gótica, pelo grotesco, pelo sobrenatural, pelo fantástico e pelos desajustados sociais.

Beetlejuice não é a exceção à regra, possivelmente trilhando o caminho que Burton seguiria no futuro. O filme é composto por personagens amáveis e cenas marcantes, além de uma das representações mais divertidas sobre a vida após a morte que já foi filmada, e continua sendo 36 anos depois, no ano que será lançado sua sequência.

A época em que foi produzido auxiliou o sucesso do filme, uma produção que transborda paixão e amor pelo trabalho de todos os envolvidos a todo momento, desde a direção de arte até as escolhas pontuais das músicas, somado a um roteiro rápido e simples, uma trilha sonora de Danny Elfman, músicas de Harry Belafonte e o próprio Beetlejuice sendo um dos personagens mais memoráveis do cinema.

Tim Burton e Michael Keaton não estavam preocupados em fazer um clássico, eles queriam fazer um filme em que ambos se divertissem, assim, transmitindo este sentimento para a audiência. A direção é cuidadosa para transmitir um sentimento do bizarro, sem escapar do senso de realidade. Mesmo no além, os fantasmas apresentam traços humanos e cada vez que se assiste o filme, percebe-se algo novo, no meu caso foi a divisão final da casa entre metade para os Deetz e metade para os Maitland, exemplificado pelo papel de parede.

Beetlejuice não é um filme perfeito, mas, gerou uma legião de produtos, fãs, e até mesmo um musical na Broadway com uma história semi original , porém, respeitando os traços e o cuidado que Burton apresentou na construção de um mundo com fortes referências ao movimento expressionista alemão.

Burton falou em uma entrevista no 81º Festival de Veneza, que apresentou a estreia mundial de Beetlejuice Beetlejuice, a sequência do filme original, que nunca entendeu o sucesso do filme. Talvez seu sucesso tenha sido a soma do contexto da época, de uma produção bem cuidada, uma história simples e fácil de acompanhar, atores marcantes e um senso de diversão que traz risos à jovens e adultos há 36 anos, afinal, quem não abre pelo menos um sorriso até hoje ao escutar “Day-O”?

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Ao retratar mitos gregos, Kaos tropeça na falta de rimo e coerência

De Charlie Covell, o mesmo criador de The End of The F***ing World, Kaos é uma série que reimagina mitos e personagens gregos para o século XXI de forma criativa, porém, em retrato tumultuado e inorgânico.

A série pega mitos gregos clássicos e os adapta para o século XXI. Histórias como Orfeu e Euridice, Ariadne e os 5 deuses do panteão grego que foram reservados para a primeira temporada: Hera, Poseidon, Hades, Dionisio e Zeus, são intercalados com outros personagens e histórias que vão de Ovidio à Homero.

Enquanto acompanhamos estes núcleos, conhecemos diversos outros personagens que são jogados de escanteio após fazerem uma coisa que auxilia no andar da narrativa, as Fúrias são o maior exemplo, juntamente com Caronte. Ao final, os fãs de mitologia grega conseguem relacionar personagens que leram tantas vezes em livros, porém, tirando Euridice, Caenus , Ariadne e os deuses, poucos recebem destaquem ou valor por si só.

A mitologia grega é algo presente no imaginário popular e que atrai diferentes públicos, reimaginar isso para os dias atuais é uma mina de ouro, em alguns aspectos a série acerta: a representação de Zeus como um homem inseguro e frágil é o ponto forte da produção, porém, a partir de um problema de tom, a série se perde, e se perde muito.

A partir de uma desconstrução de mitos, deduzidos por Covell que seu público já tem ciência, é criado todo um universo que remete à The Boys e Deuses Americanos, mas, sem o carisma ou a força narrativa apresentada por estas séries, ao tentar adaptar muitas histórias de uma só vez, a série se perde dentro de uma narrativa inflada que se segura pelo carisma de um excelente Jeff Goldblum.

Por conta de uma fotografia e direção de arte típica de série da NETFLIX, ou seja, econômica e sem muitos destaques, momentos épicos se tornam pequenos. Durante toda a série acompanhamos o arco de Euridice no submundo, um lugar inteiramente em preto e branco, porém, a impressão em certos momentos é que somente colocaram um filtro de Photoshop e deixou por isso.

O forte das séries do streaming acaba sendo as músicas, tendo sido responsável por ressuscitar Kate Bush na 4º temporada de Strager Things , e nisto a série não decepciona, porém, sua maior potência, vira seu maior problema em alguns momentos. Kaos usa a música para determinar sentimentos, seja ABBA como introdução para Dionisio, ou David Bowie para Zeus, porém, diversas vezes a música não bate com a cena e fica tosco, quase cômico, como se a narrativa servisse a trilha, e não o contrário.

Esquecível em sua grande parte, com um gancho para uma segunda temporada ainda maior, que talvez jamais ocorra, Kaos tem seu valor por conta da adaptação de histórias tão preciosas quanto os mitos gregos, porém, ao tentar se tornar algo épico, cai na mesmice e em algo genérico dentro de um serviço de streaming recheado de séries assim.

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“Saideira” tropeça ao tentar ser “dramédia”, mas surpreende pela temática repleta de brasilidade e aconchego

Em contato com o seu respectivo pôster, o longa “Saideira”, lançamento da Elo Studios, co-dirigido por Pedro Arantes e Júlio Taubkin e estrelado por Thati Lopes e Luciana Paes, pode passar uma primeira impressão de reproduzir algumas fórmulas do cinema brasileiro de comédia recente.

  A colorização vibrante, título de caráter popular e escolha de atrizes para protagonistas davam indícios de que a produção poderia tentar reeditar as comédia de estereótipos adicionando rostos conhecidos mas de diferentes nichos , como é o caso de filmes recentes como “Os Parças” (2017) e “Farofeiros” (2018). 

Este tipo de produção pode ocorrer na intenção de reviver a tradição de sucesso da comédia no cinema brasileiro aliado a uma tentativa de renovação do público, unindo o nicho de cinéfilos mais assíduos (neste caso, através de Luciana Paes) com a nova geração  de consumidores da cultura digital (com Thati Lopes, conhecida inicialmente por seus papéis hilários em esquetes curtos do canal “Porta dos Fundos”).

Mas, para surpresa dos espectadores mais desavisado, a expectativa por mais uma sessão de piadas no estilo pastelão, diálogos em alto tom de voz e personagens com forte representação de estereótipos logo dá lugar à uma narrativa com temática e brasilidades sólidas, mesmo que tropece em alguns momentos entre o drama e a comédia.

O filme, bom exemplo de “dramédia”, conta a história de duas irmãs que, com a morte do avô, se reúnem novamente para embarcar em uma jornada de autodescobrimento e acerto de contas: uma viagem de carro pelo interior do Estado de Minas Gerais em busca do alambique  responsável por produzir a lendária cachaça que apenas seu avô possuía, a cachaça “Saideira”.

E aqui reside justamente a principal valência desta produção: a temática que mistura relações familiares, história do Brasil e ode à mais brasileira das bebidas alcoólicas, a cachaça. Além, é claro, da deslumbrante ambientação em cidades icônicas como São Tomé das Letras e Ouro Preto, representantes mineiras da rota que ficou historicamente conhecida como Estrada Real. 

O filme assume um caráter de roadmovie em grande parte de sua duração, e o espectador é transportado pelas estradas mineiras de maneira aconchegante (e também nauseante e cheia de ressaca). Destaque para o ótimo trabalho de cenografia, caracterização e direção de trilha sonora, que são fundamentais para desenrolar a trajetória das protagonistas de maneira leve, construindo uma narrativa agradável e divertida, principalmente, na chave do melodrama familiar.

Na chave da comédia, o filme não tem o mesmo êxito e leveza que em sua contrapartida. As piadas, apesar de em alguns momentos acertarem no tom, arrancando algumas risadas, sofre com uma falta de consistência e frequência, não sendo tão marcantes para a experiência quanto o mistério em torno do passado das personagens ou outros elementos narrativos mais conectados à chave do drama, sub aproveitando o potencial cômico e artístico de ambas as atrizes protagonistas.

Os diálogos também não contribuem para que o elenco entregue atuações mais condizentes com seus talentos, trazendo falas muitas vezes óbvias, que acabam por destoar do suspense criado em torno da origem da cachaça “Saideira” e da história dos familiares de Jo e Penélope, as irmãs protagonistas da trama.

Ainda assim, o filme opta por escolhas criativas de direção para que seu ritmo se mantenha firme ao percorrer este caminho de oscilação entre o humor e o melodrama, característica típica de outras “dramédias” de grande destaque entre o público, como a série norte-americana vencedora do Emmy, “The Bear” (2022) do canal norte-americano FX. 

Vale aqui o destaque para algumas cenas muito criativas e de bom humor do longa, como a hilária cena de abertura, estrelada pelo gênio Tonico Pereira em ótima forma; a divertida cena em que Penélope, cachaçóloga de sucesso e herdeira de copo de seu avô, dá uma aula sobre a origem e a produção de cachaça no Brasil de maneira animada e dinâmica; e, talvez a melhor de todo o filme, a cena em que Penélope e Jo encontram o personagem do icônico Jackson Antunes para uma longa noite de intensa bebedeira em uma birosca esquecida no remoto interior mineiro, relembrando os melhores momentos de insanidade alcoólica do clássico australiano “Wake in Fright” (1971) do diretor Ted Kotcheff.

Portanto, apesar de tropeçar na alternância típica das dramédias, “Saideira” afasta os estereótipos da comédia pastelão e abraça a brasilidade de sua narrativa, convidando o espectador para uma divertida viagem pelo interior mineiro, propondo debates sobre familiaridade e regionalismo, apresentando muito do potencial criativo da parceria entre seus jovens diretores e deixando boas expectativas para futuras produções assinadas pela dupla.

É uma boa recomendação para o filme de domingo com amigos ou família, principalmente se for acompanhado de uma boa dose de pinga.

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Mais Pesado é o Céu transmite uma intensa sensação de desespero e sobrevivência, no meio do interior do Brasil

A luta pela sobrevivência, em meio ao desespero e à falta de esperança, é um tema poderoso e universal no cinema. Quando a narrativa se desenrola em um cenário de caos e adversidade, o espectador é convidado a mergulhar profundamente nas emoções dos personagens, sentindo suas angústias e medos. Esse mergulho é crucial para criar uma conexão intensa entre a trama e quem a assiste, fazendo com que cada cena de sofrimento e cada tentativa de superação se tornem experiências viscerais para o público.

Dirigido por Petrus Cariry (“O Barco”), “Mais Pesado é o Céu” segue essa linha, impressionando pela montagem cuidadosa e atmosfera densa. O relato pesado e angustiante, situado no interior do Brasil, cativa e imerge o espectador, em uma história que explora temas de desespero e sobrevivência, de forma intensa e profunda. Cariry utiliza uma abordagem visual, que é ao mesmo tempo poética e brutal, enfatizando a beleza crua da paisagem brasileira, enquanto destaca a dureza da vida dos personagens.

A trama segue Antonio (Matheus Nachtergaele) e Teresa (Ana Luiza Rios), que se encontram e iniciam uma jornada pelas estradas, compartilhando lembranças de uma cidade submersa no fundo de uma represa. Este encontro casual, entre duas almas perdidas, cria um vínculo forte e melancólico, onde ambos buscam um sentido para suas existências em um mundo que parece constantemente desmoronar ao seu redor. A narrativa se desenvolve, portanto, como uma metáfora para a perda e a busca de redenção, com a cidade submersa simbolizando os sonhos e esperanças, afogados pelo tempo e pela realidade cruel.

A sensação de fuga é palpável, com a fotografia de Cariry alternando entre tomadas amplas e claustrofóbicas, transmitindo a falta de rumo dos personagens e aumentando a tensão. Essa escolha estilística não apenas retrata a vastidão do desespero, mas também o enclausuramento emocional, que os personagens enfrentam. Cada plano é cuidadosamente composto para refletir o estado interno de Antonio e Teresa, criando uma simbiose entre o ambiente e a ficção.

O longa funciona como um road movie, com uma ambientação que brinca com a fuga do espectador, mantendo-o preso à narrativa, enquanto deseja escapar dela. A ausência de esperança é o tema central, especialmente em cenas desconfortantes, como quando Teresa se submete à violência para sobreviver. Essas cenas são particularmente impactantes, mostrando o extremo a que os seres humanos podem ser levados, quando todas as opções parecem esgotadas. O choro de um bebê ainda intensifica tal desespero, simbolizando tanto a fragilidade quanto o milagre da vida, em meio ao caos. Tal elemento adiciona uma camada de vulnerabilidade e inocência à trama, contrastando fortemente com a brutalidade do mundo adulto que os cerca.

As atuações de Nachtergaele e Rios são extremamente fortes, trazendo profundidade emocional que sustenta o filme. Nachtergaele, conhecido por sua capacidade de incorporar personagens complexos e atormentados, entrega uma performance que é ao mesmo tempo poderosa e sutil, capturando as nuances da dor e da esperança. Rios, por sua vez, oferece uma interpretação comovente, de uma mulher que luta contra a desintegração de sua humanidade, mostrando resiliência em face de adversidades insuperáveis.

No entanto, também há problemas. No meio do longa, a sensação de andar em círculos reflete a confusão e o desespero dos protagonistas, deixando o espectador incerto se isso é proposital ou resultado dos personagens estarem perdidos. Esse aspecto pode ser interpretado como uma crítica à falta de direção na vida de muitos, um espelho da própria busca dos personagens por um propósito. Apesar de isso poder causar tédio, a última cena oferece uma catarse recompensatória, que amarra a explanação de forma magnífica, proporcionando uma resolução emocional que, embora não seja convencionalmente feliz, oferece um senso de fechamento.

Ao fim, “Mais Pesado é o Céu” representa o lado mais sombrio da natureza humana, mostrando como é difícil acreditar na bondade gratuita, em tempos de crise. Através de uma narrativa envolvente, direção sólida e atuações poderosas, o filme entrega uma experiência cinematográfica profunda e perturbadora. A obra desafia o espectador a confrontar seus próprios conceitos de desespero e esperança, deixando uma marca que ressoa muito depois dos créditos finais.

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